En l'honneur de « Turn the Lights Back On », le premier single de Billy Joel depuis plus d'une décennie, nous rééditons notre classement complet de son travail de 2015.

Les statistiques de Billy Joel sont stupéfiantes. Il a 33 chansons dans le Top 40, ce qui représente environ un quart de tout ce qu'il a écrit et enregistré. La plupart d’entre eux ont été enregistrés à l’époque où il fallait vendre beaucoup de disques pour y arriver aussi. Et même si cela fait trois décennies que Joel n'a pas sorti un nouvel album pop, il a vendu le Madison Square Garden une douzaine de fois par an (plus ou moins, avec une interruption pandémique) depuis 2014, avec un dernier concert là-bas, son 150e au total. , prévu pour le 25 juillet 2024. Il est ce qui se rapproche le plus de l'arène d'une chose sûre – certainement plus que les Knicks ou les Rangers.

Pourtant, pour les critiques, Joel a toujours été un problème. Ils le battaient à cause de son manque d'avantage. Robert Christgau a qualifié son album Turnstiles de 1976 de « odieux », ce qui n’est pas le cas. Mais dernièrement, comme tous les artistes d’une génération précédente, il fait l’objet d’une réévaluation critique, malgré certains dissidents . L'argument va dans cette direction : il n'est pas tout à fait la star du hard-rock qu'il a parfois essayé d'être, mais il est un meilleur auteur-compositeur pop que vous ne vous en souvenez, et parfois un excellent.

Je suis dans son camp. J'ai grandi juste à côté de Jersey Turnpike, à mi-chemin entre Levittown et Allentown, à l'époque où il passait tous les jours à la radio. Les gens qui écrivent des hymnes aux banlieues, sur des sujets qui se situent à la limite entre les cols blancs et les cols bleus, sont démodés de nos jours. Ce n'est certainement pas très cool pour un éditeur artistique de défendre Billy Joel. « Papa rock », a déclaré, peu impressionnée, une de mes plus jeunes collègues lorsque je lui ai parlé de ce projet : réécouter les 122 chansons que Joel a écrites et enregistrées, et classer chacune d'entre elles.

Stipulé : Ceci n'est que l'opinion d'un auditeur. Mais le classement s'appuie sur 30 années d'immersion dans ces chansons, ainsi que sur de multiples répétitions de chacune d'entre elles au cours des trois derniers mois. Cela dit, appréciation ne signifie pas cécité, et Joel lui-même conviendrait que toutes les chansons de chaque album ne prennent pas feu (même s'il l'a allumé et que nous avons essayé de le combattre). Une écoute attentive du canon de Joel-ian révèle quelques généreuses poignées de grandeur, des morceaux oubliés qui méritent de refaire surface, des succès familiers qui ont mal vieilli et de véritables claquements.

Règles de base : j'ai limité cela aux 114 chansons que Joel a écrites et enregistrées sur ses 12 albums studio, de Cold Spring Harbor (1971) à River of Dreams (1993), ainsi que huit singles supplémentaires qu'il a sortis au fil des ans. (Comme les fans le savent, Cold Spring Harbor a été massacré à sa sortie ; j'ai utilisé la version remasterisée du coffret pour donner une juste chance à ces chansons.) J'ai omis Fantasies and Delusions, l'album néoclassique sans paroles que Joel a sorti en 2001, parce qu'un autre pianiste le fait. le jeu. J'ai également laissé de côté ses reprises, quelques chansons qu'il a écrites et que d'autres ont chantées, ainsi que ses enregistrements avec les Hassles et Attila, ses premiers groupes de Long Island. Tu dois t'arrêter quelque part.

Quelques observations générales :

• Les chansons qui arrivent au sommet sont, à quelques exceptions près, les plus pures. Billy Joel n’a jamais été un Captain Beefheart ou un Frank Zappa, cherchant à renverser les conventions de la musique pop ; ses points forts sont le langage clair, la mélodie et (bien sûr) le piano, et les chansons qui dépendent le plus de ces qualités ont tendance à être meilleures que celles où il devient plus artistique.

• Son talon d'Achille est une exigence de respect récurrente et irritable. Le meilleur exemple est « It's Still Rock and Roll to Me », une chanson pop au son génial dont les paroles souffrent d'un mécontentement général face à tout l'amour critique déversé sur le public du CBGB. D’autres fois, on entend trop souvent des références à la musique classique ou un cours de français maladroit. Trop de chansons ont comme sous-texte un défi au menton saillant, une insistance sur le fait que je suis un artiste à prendre au sérieux. L’indignation peut apporter de la grandeur à l’art ; l'irritabilité, pas tellement.

• Trop d'effets sonores. Le bruit fracassant qui ouvre Glass Houses , les hélicoptères dans « Goodnight Saigon », les parasites de la télévision et les tonalités : tous sont des gadgets, et la plupart sont des clichés. J'admets que le crissement de frein dans « Movin' Out (Anthony's Song) » est amusant.

• Il est le meilleur lorsqu'il écrit sur son époque et son propre monde. Sa vision du monde de Lawn Guyland vient d'un endroit honnête, et quand il écrit sur, disons, Anthony (qui travaille dans une épicerie et économise ses sous pour un jour), ce type sonne juste.

Que les disputes commencent.

Un instrument qui ressemble à la musique libre de droits que les gens utilisent dans les vidéos YouTube. Remplit la deuxième face de l'album, et ne fait rien de plus.

La chanson la plus problématique pour l’apologiste de Billy Joel, car elle est très populaire et inévitablement mauvaise. Il y a tellement de choses qui ne vont pas ici : le narcissisme de la génération des baby-boomers, la myopie des informations sur les trois États (« hypodermiques sur le rivage » ? Bernie Goetz ?), les rimes douteuses (« James Dean » avec « équipe gagnante », entre autres.) ), la double mention des Dodgers. Pourquoi ne l'ai-je pas mis en dernier ? Il obtient un point pour sa valeur en classe : j'admets que j'ai dû chercher qui était Syngman Rhee et j'ai appris des choses intéressantes.

Une ballade ringarde, oubliée à juste titre. La chanson la plus faible d'un album à laquelle même Joel ne pense pas beaucoup.

Le territoire incontournable du stand-up-comic de « Hé, les hommes et les femmes sont différents, vous savez ? sous forme de chanson pop pratique. Assez mauvais, et sur un plutôt bon album en plus.

Quelques chansons de cette liste avec des penchants reggae déplacés. Oui, tout le monde le faisait en 1976, mais cela ne veut pas dire que c'est correct.

Ouais, ça avait peut-être l'air cool quand ton ami s'amusait sur le piano de la salle de musique en huitième année, mais mets-le à côté des accords noueux d'un vrai ragtime, et tu te rends vite compte qu'un chiffon construit principalement sur un C- la triade majeure est une sauce assez faible.

Le titre vous indique l'essentiel de ce que vous devez savoir. Une ballade album qui ne vaut pas la peine d'être ressuscitée.

Très lisse, mais pas très bon blues des gars blancs. On dirait qu'il a été coupé de River of Dreams .

« Dad Rock » est un label bon marché, mais c'est à peu près tout ; cela ressemble à beaucoup de musiciens de session sans centre. Une chanson qui illustre un problème récurrent sur cette liste : un refrain mémorable associé à des couplets ennuyeux.

Après plus de quelques écoutes au cours du mois dernier, pas une seule parole de cette chanson ne m’a marqué. Littéralement oubliable.

Répétitif et laborieux.

Une chanson aux flambeaux schmaltzy. Paroles molles.

Oh mec. Vous entendez le premier couplet, et c'est assez carré mais bon – et puis il le chante à nouveau, en français, et vous grimacez. (Au fait, « Michelle » des Beatles a le même problème.)

Irritabilité à la parade : « Je n’ai jamais pu comprendre pourquoi l’attitude urbaine est si supérieure. » Le jeu de piano est virtuose et voyant, mais la chanson est finalement un « Pressure » moins intéressant.

Vision pas terrible de l'anomie de banlieue, mais les références – la digitaire, assise autour de la cuisine – sont tout simplement trop peu originales. Cela aurait pu être bien mieux avec une réécriture.

Pourquoi un gars de Long Island écrit-il une fausse chanson western ? Inauthentique, et ça se voit.

Un instrumental quasi-Chopin – bien qu’il y ait des paroles non enregistrées – qui refuse absolument de rester dans l’esprit.

Deux minutes après le début d'une chanson MOR plutôt tremblante, une pause vocale bizarre – il descend d'une octave et lance un tour R&B, puis revient à la voix sensible du gars – donne l'impression qu'elle tombe de Mars.

Encore une ballade du premier album, qui ne vaut probablement pas la peine d'être reprise.

Le revers du single « We Didn't Start the Fire » est le blues des groupes de bar, pas grand-chose de plus.

Un autre avec un crochet vraiment poli et des couplets ennuyeux. Les paroles sur les amitiés brisées ont un petit coup de fouet, étant donné que Joel a eu sa part.

Co-écrit et chanté avec Cyndi Lauper. Un autre que je continue d’écouter, encore et encore, en essayant de l’aimer ; Je ne peux pas vous dire un mot qui m'a marqué. Une interprétation vraiment solide d'une chanson pas très intéressante.

Crie 1971 d'une manière étrange, hippie pippinienne, qui ne semble pas venir d'un endroit naturel pour Joel : « rêves de satin brumeux » et « clairières boisées » ? Que dirait Maman Leone ?

Une chanson sans distinction, puis le morceau sauvagement oublié à la fin vous laisse sursauter.

Un enregistrement unique et étrange, avec la voix de Joel multipiste. Un son très typique des années 80, avec des synthés et un écho qui n'ont pas bien vieilli.

Premier couplet bien écrit sur la solitude la nuit, mais ça devient ennuyeux après ça.

Je suis surpris que cela n'ait pas été un succès radiophonique, car il touche toutes les notes grand public de cette époque – ce qui lui donne un son un peu générique aujourd'hui. Cela pourrait être Steve Winwood ; pourrait être les Travelling Wilburys ; cela pourrait être presque n'importe qui.

Un autre morceau qui semble daté, mais les paroles sont en fait plutôt correctes – c'est (vraisemblablement) l'une de ses chansons de Christie Brinkley, dont plusieurs sont plus charmantes. Pourrait bénéficier d'un remix.

Une solide performance vocale sur un album globalement excellent, mais emprunter la « Pathétique » de Beethoven pour une ligne mélodique était une très mauvaise idée – cela se lit comme un jeu de respectabilité inutile – et cela alourdit les paroles déjà un peu plombées.

Performance percutante, mais les paroles sont minces, sans grande tenue.

Une autre chanson très ancienne qui semble avoir été composée par une personne totalement différente. L'enregistrement est onduleux et doux, et je serais curieux d'entendre une reprise qui fait peut-être ressortir tout ce que la chanson contient.

Il cherche quelque chose de philosophique et essaie d'avoir une grande idée, mais il n'y arrive pas vraiment et les paroles s'égarent.

Un autre de la série Depression qui contenait de nombreux ingrédients pour être un succès mais n'a pas eu le claquement de doigt pour y arriver.

Un peu similaire à « All About Soul ». Plus de blues blanc, décemment chanté, mais au final, il y a tellement de meilleurs chanteurs de blues qu'il est difficile de s'enthousiasmer pour celui-ci.

Il est surprenant que celui-ci n'ait pas abouti dans Movin' Out de Twyla Tharp, car il a un son puissant et percutant qui se traduirait bien dans une fosse de Broadway. Mais ça continue éternellement. Il a également découvert une association malheureuse (Stormfront, auquel nous ne ferons pas de lien ici, est le premier site suprématiste blanc sur Internet).

Ce qui se rapproche le plus d'un hymne de stade de style Queen à jouer lors d'événements sportifs, avec un refrain qui profite du fait que beaucoup de gens chantent. Difficile de ne pas se laisser emporter, même si c'est un peu grandiloquent sur l'album. Chanson amusante en concert ; plus ringard à la maison.

Un homme seul veut sauver une strip-teaseuse qui ne veut pas lui parler. Cette scène aurait sûrement pu produire une chanson plus intéressante que celle-ci.

Il n’aimait vraiment pas beaucoup Los Angeles, n’est-ce pas ? Pas terrible, mais perd beaucoup de points pour le maladroit « personne ne doit jamais se sentir comme un réfugié » et l'étrange livraison en R roulé des « rrreefers mexicains ».

Un genre familier : la chanson nostalgique. Celui-ci n’est pas à la hauteur de ses autres chansons sur le même terrain, comme, disons, « Just the Way You Are ».

Disque à la Elton avec beaucoup de choeurs. Pas terrible, mais finalement pas très intéressant non plus.

Malheureusement, cela n'évoque rien de tel que Rappin' Rodney. Une chanson extrêmement commerciale des années 80, enregistrée comme thème de film. Un artefact de son époque et de son lieu.

Pas mal du tout, et très, très, accrocheur, mais on se demande : qu'est-ce que ce décor d'hôtel tropical a à voir avec quoi que ce soit ? Était-il en vacances ?

Cela ressemble à l'un des duos de Ray Charles sans Ray. Les licks de Sax sont aussi un peu ringards. Mais il tient sa place sur l’album – à peine.

Une des premières chansons de son Depression Canon, celle-ci semble parler d'anhédonie – « tout va vous rattraper » – mais elle est musicalement un peu plate. Cela pourrait être du fourrage pour le bon artiste de couverture.

Chaleureux, mais aussi terne.

Fougueux et plutôt amusant – vous pouvez vraiment imaginer cela comme la musique derrière un montage rapide dans un film de Danny DeVito des années 80 – mais le facteur fromage est très élevé. Peut-être sauvé par la « femme moderne » à la fin.

Celui sur lequel les gens se disputent. Cela vient d’un bon endroit – les pêcheurs de Long Island ont en effet la vie dure ; il connaît probablement certains de ces gars, depuis longtemps ; toute la scène semble honnête – mais les synthés et la production ont terriblement vieilli. C'est 60 pour cent du chemin pour devenir une grande chanson de Pete Seeger, ce qui n'est pas un coup dur ; beaucoup de gens ne s’en approchent jamais.

Ouais, c'est daté, mais allez : si vous lisiez des chroniques de potins à l'apogée de Page Six, les chansons de Christie Brinkley sont un plaisir presque irrésistible.

Un album coupé qui ne monte pas au dessus, mais qui a un joli rebond. Ce serait curieux de l'entendre dans un décor de cabaret.

L'une de ce que j'appelle les chansons pédagogiques de Joel : des disques destinés directement aux jeunes qui ont besoin d'un coup de pouce dans les moments difficiles. Celui-ci dit aux gars de risquer le rejet et d'être honnêtes et vulnérables avec leurs béguins, et même si vous savez que cela ne s'est probablement pas bien passé pour certains de ces auditeurs nerd-boys, c'est une chanson difficile à détester.

Oui, c'est kitsch – bien sûr, les Russes vivent aussi une vie ordinaire – et la musique est gluante. Mais « On nous a vendu un tas de bêtises » est une parole réfléchie dans ce contexte. (Avantages par rapport aux « Russians » de Sting, un disque similaire, plus ringard.) Mérite d'être revisité.

En fait, vous devez faire face à la pression. Il est inimaginable que ce soit un succès aujourd'hui – c'est encore un film totalement démodé – mais c'est une de mes faiblesses particulières, même s'il ne s'agit pas de grand chose à part, vous savez, de pression.

A une ligne de piano de machine à coudre qui s'endort, mais une belle ballade.

Un précurseur des chansons doo-wop d'An Innocent Man , atteignant le territoire d'Elvis. Cela aurait été mieux plus court – perd de la vigueur à mesure que le titre se répète.

Beaucoup de gens aiment celui-ci et l’auraient classé plus haut. Ici, je suis surtout exagéré : je m'efforce d'obtenir la complexité de Steely Dan, dans plusieurs directions différentes – jazz, fusion, cinéma atmosphérique – sans atteindre la grandeur dans aucune d'entre elles.

La chanson enregistrée la plus courte de Joel. Joli petit prélude à… quelque chose.

Un autre qui donne l'impression d'être sur un terrain étrange et inconnu, mais considéré comme un produit du début des années 70, ce n'est pas mal du tout. Un piano rapide, un banjo et même une guimbarde. La fausse fin est un peu cheap. Une chanson charmante mais datée.

Un autre cours d'instruction pour enfants courageux, et un autre qui a du charme. Ce n’est pas une chanson que vous voudriez désactiver.

« Ce sont les derniers mots que j'ai à dire » : la dernière chanson de Joel sur son dernier album studio, en dehors de quelques sorties ponctuelles. Une chanson amicale et affectueuse de remerciement et au revoir pour l'instant, et, bon, d'accord, ce n'est pas la deuxième face d' Abbey Road, mais ce n'est pas détestable non plus.

Une meilleure chanson sur l'album le plus faible de Joel, peut-être parce que le sentiment n'est pas très compliqué. Une sorte de haussement d’épaules, finalement, mais joli.

Joliment chanté, probablement pour sa fille Alexa, qui avait environ 7 ans au moment de l'enregistrement. Doux sinon profond ; un peu déplacé sur l'album, mais ce n'est pas grave.

Pas de piano ! Quoi? Mieux connu, peut-être, pour la reprise de Garth Brooks, et si vous ne détestez pas ce son de Nashville, un bon.

Joel appelle cela le maillon faible de l'un de ses meilleurs albums, et j'admets que cela ressemble au thème d'une sitcom drôle de flics qui n'a jamais eu lieu. Mais ce n’est pas non plus une gêne.

Bonne chanson power pop pure et simple. « J'ai même roulé sur ma moto sous la pluie » est une phrase assez stupide, qui la fait descendre sur la liste, et elle perd quelques points supplémentaires pour la répétition et le fondu.

Il obtient des points importants pour avoir essayé d'écrire une bonne chanson de sexe au téléphone, mais le résultat a un facteur de dégoût élevé, peut-être parce que «faire l'amour à distance», suivi d'une respiration perverse, semble dégoûtant plutôt que sexy. La vidéo involontairement hilarante affecte peut-être un peu mon jugement ici.

Aussi accrocheur qu’un single ne l’a jamais été. Ce n'est pas une idée très intéressante – en gros, « Ouais, je peux parfois être un con, mais je suis amusant aussi » est un sentiment qui couvre environ les trois quarts de la population – mais une chanson bien conçue si vous l'acceptez d'emblée. .

C'est du shlock, mais - comme ma collègue Jody Rosen l'a écrit de manière convaincante - il y a de la place pour le shlock, surtout si, comme mentionné ci-dessus, vous étiez là à l'apogée des années 80 de la série tabloïd Billy-and-Christie. (Peu importe que cela aurait été écrit à propos de sa précédente petite amie mannequin, Elle Macpherson.)

L'un des nombreux hommages aux Beatles qu'il a enregistrés. Est-ce que cette progression d'accords abaisseurs mineur/majeur/mineur/majeur que Paul McCartney a fait sa signature, avec George Martin ajouté, scintille. Ce n’est pas une chanson à laquelle beaucoup de gens pensent, mais je l’aime bien.

La performance de l'album est un peu faible en énergie, mais elle contient des paroles intéressantes, avec un rappel inattendu à « Allentown » enfoui dans le dernier couplet.

Une chanson de junkie par un non-junkie : Pour autant que je sache, une idée unique. Points pour sa complexité et son opacité ; souligne l’écho flagrant de « Je suis le morse ».

Beaucoup de gens pensent que c’est une chanson horrible. Je ne suis pas d'accord. Oui, l’arrangement est lourd et assez sourd ; oui, les voix sont étrangement traitées, et ce truc de quasi-beatbox chut-ooh-ah devrait disparaître. La phrase « ils nous ont jeté un drapeau américain au visage » est un taudis, très mal aligné avec la musique. Mais regardez le reste des paroles : elles sont franches et plutôt correctes. « Fer et coke / Acier chromé » est saisissant, le passage de « nous vivons ici » à « Je vis ici » est réfléchi, et la dernière ligne du vers (« Je ne me lèverai pas aujourd'hui ») ) vous sort avec une image forte.

Une chanson de harceleur assez intense et plutôt bonne. Électrique et bien chanté, surtout sur le pont.

Un morceau rarement entendu et meilleur qu’on ne le pense ; ça vaut le coup de chercher pour une écoute.

Une chanson de radio commerciale aussi serrée que jamais enregistrée. S'intègre bien sur l'album, mais n'est pas très intéressant lorsqu'il est pris seul.

Vulnérabilité à cœur ouvert. J’aime bien celle-ci, mais elle ressemble à une chanson que beaucoup de gens auraient pu écrire.

Sans doute le disque le plus énervé qu’il ait jamais fait, et à propos de quoi ? Traîner avec Bianca Jagger ? Cela semble disproportionné par rapport au problème. Notre liste tombe sur cette phrase «nonononono biiiiig shottttttt didja» qu'il chante vers la fin, ce qui est tout simplement ridicule. Mais jouez-le dans une salle pleine de snobs de la musique, et ils savent tout. Célibataire. Mot.

Joel dit que « Get It Right the First Time » est la chanson la plus faible de cet album, mais c'est la chanson dont personne ne se souvient. Anthémique, un peu soft. Pourrait bénéficier d’un arrangement moins dense avec moins de couches.

Un autre qui fait écho à Elton John. Pas mal du tout.

Le Piano Man connaît le succès ! Il déteste sa maison de disques et écrit à ce sujet. Les synthés sonnent terriblement maintenant, et la pétulance s'installe, ce qui ne lui rend pas service. Mais "Je dois avoir un succès / Alors ils l'ont réduit à 3:05" est intelligent, c'est sûr.

La fin de la chanson, quand il s'insère, est-elle ringarde ou charmante ? Pourrait plaider en faveur de l'un ou l'autre ; J'aime ça. Les gros breaks piano sont démodés mais pas mauvais. Un autre qui est bien meilleur en live qu'en studio.

Une autre petite chanson bien écrite que quelqu'un devrait déterrer et réenregistrer.

Un type regarde les banlieues s'élever autour de lui, les déteste, mais reste là quand même, se détestant. Irritable Billy fait une apparition, mais c'est toujours une chanson solide.

Il est difficile de ne pas le placer en tête de liste, simplement parce que c'est une si agréable surprise qu'il existe. Joel, après tout, a sorti un album pop pour la dernière fois en 1993 et ​​un single en 2007, et a fortement laissé entendre au fil des années qu'il avait probablement fini de sortir de la nouvelle musique. C'est génial d'entendre à nouveau sa voix, et même si elle contient plus de grave, il sait toujours comment la faire sonner bien. Quant à la chanson elle-même ? C'est une ballade de pouvoir dans le style des années 1980 sur le fait de s'être éloigné de quelque chose - un amant, un compositeur, un créateur de quelque chose de frais et de nouveau - et d'avoir peur et de se sentir mal à l'aise à l'idée de faire le premier pas vers le retour, même si vous en avez hâte. Billy a soif de reconnexion ici et ne sait pas comment cela se passera lorsqu'il la trouvera. La chanson fait légèrement écho à « Baby Grand », dont les paroles parlent du fait que la musique ne vous abandonnera jamais, et à « I've Loved These Days », revenant avec mélancolie sur quelque chose qui pourrait disparaître à jamais – ou peut-être s'agit-il simplement d'une version tempérée par l'âge. de "C'est toujours du rock and roll pour moi." Avec cette configuration, vous pourriez vous attendre à ce que cela se transforme en un troisième couplet où les paroles se transforment en sérénité ou en promesse d'essayer ou même en une triste fermeture de la porte - mais cela ne vient jamais.

Une chanson conviviale et lumineuse sur son adolescence. Mieux que vous ne vous en souvenez peut-être, principalement pour les paroles et l'enthousiasme du chant.

Un autre argument sur l'authenticité apparaît. D'accord, c'est sans doute faux : il n'est pas réellement allé combattre au Vietnam. Mais c'est une chanson vivante et réfléchie sur des gars qu'il connaissait clairement bien. Pouvons-nous le critiquer pour avoir décrit une expérience de seconde main ? Cela me semble honnête. J'aurais aimé qu'il ait laissé de côté les hélicoptères.

Une chanson de maman très conflictuelle et l'homologue plus sombre de « Rosalinda's Eyes », car elle aborde le côté le plus cruel et le plus difficile de Rosalind Joel. Un autre hommage aux Beatles également, celui-ci étant un geste à l’époque du Magical Mystery Tour .

Certes un peu liquide, mais au final, c'est une petite chanson personnelle sur une mystérieuse amitié brisée. Je me demande qui c'était ?

C'est à peu près le rock-out le plus dur qu'il ait jamais enregistré, et il l'a plutôt bien fait. N'échoue pas sur le front des jeunes hommes en colère. Il évite surtout les excès de chant qui font mal à des chansons comme « Big Shot » – il chante avec un grognement plus direct ici, et c'est un peu mieux.

Les gens considèrent cette chanson comme étant schmaltzy, mais je ne pense pas – elle ne semblerait pas déplacée sur plusieurs disques de Bob Dylan, et vous y penseriez probablement davantage à ce moment-là. L'arrangement pourrait, certes, être un peu plus net.

Presque tous les auteurs-compositeurs-interprètes enregistrent une chanson de maman ; c'est une bonne. Doublement poignant car sa mère n'a pas eu la vie aussi facile et leur relation n'a pas toujours été fluide (cf. « Laura », une vision beaucoup moins affectueuse).

Chipper, peut-être une petite chanson pop défensive et impeccablement sautillante avec un courant sous-jacent sombre. Le premier couplet est le meilleur.

Un disque pour enfants, réalisé pour un album de compilation CTW. Il s'agit d'un ami imaginaire, et c'est bien mieux que vous ne l'auriez jamais imaginé.

C'est un GoodFella, un restaurateur, juste un peu de shmo ? Peut-être qu'il y a un peu trop de production ici, mais une chanson mémorable, amusante et rappelez-vous ce type Vinnie que nous connaissions.

Piano super accrocheur et rebondissant, ricanant. Coupe assez forte pour celle dont peu de gens se souviennent.

L'une des meilleures chansons de cet album, et je suis surpris qu'elle ne soit pas devenue davantage un standard. Sortez-le lors de votre réunion de lycée et regardez les couples commencer à danser le slow.

Tout le monde sauf moi semble considérer cette chanson comme l’une de ses meilleures, peut-être la meilleure. Je ne l'entends tout simplement pas – je pense que c'est joli mais pas génial. J'avoue que les enregistrements live sont bien meilleurs que la version studio. Je vous assure également que la performance au piano est parmi ses meilleures. Je dis toujours que « choisir entre la réalité et la folie / c'est soit la tristesse, soit l'euphorie » est un truc de premier cycle prétentieux. Nous devrons peut-être accepter de ne pas être d'accord ici.

Un bébé « Baby Grand », injustement ignoré. S'envole bien dans le refrain, surtout.

Joel a dit qu'il en avait assez de celui-ci, et cela dure trop longtemps. Vous pouvez également perdre dix points pour cette phrase inconfortable « assis-toi à la maison et masturbe-toi », qui remplit les arènes de rires inquiets depuis 35 ans, surtout lorsque « cure-toi le nez » apparaît quelques lignes plus tard. Mais le grand refrain est indéniable : il est difficile de ne pas se laisser emporter quand il commence à atteindre son apogée.

La chanson presque titre de l’album (pourquoi ajouter un « The » ?). A plus de cette légèreté et de cette exubérance d'Innocent Man que la plupart des éléments de ses disques ultérieurs, et en profite.

Le grand duo de Ray Charles, un serre-livre pour « Piano Man ». Une superbe performance sincère de la part des deux, mais la chanson elle-même est une étrange métaphore étendue qui ne se détache pas entièrement (le seul qui reste à vos côtés est votre piano… ou quoi que ce soit que votre piano représente).

Une autre chanson R&B énergique. L'enregistrement de Joel n'est pas mal du tout, mais si seulement quelqu'un comme Bobby Womack l'avait essayé !

Est-ce un peu gluant ? Est-ce très joli ? C'est les deux, et ces choses peuvent coexister confortablement. Une chanson du Great American Songbook, écrite 20 ans trop tard pour être entrée dans le canon.

Un autre hymne du bal des années 80, et je pense qu'il faut être un vrai con pour le détester.

Cette intro au clavier martelé est une pour les âges parmi les étudiants en piano du lycée, et la chanson elle-même est le regard d'un gars légèrement plus installé sur son jeune moi morveux. J'aime celui-ci, probablement plus que la plupart des gens. Je suppose que Joel le fait aussi parce que, même si cela n'a jamais été un succès, il le joue toujours régulièrement.

La plupart des fans placeraient celui-ci beaucoup plus haut sur la liste. Il offre la production la plus pure et la plus propre qu'il ait jamais eue. Mais tout ce « Hé, et moi ? Pourquoi tous ces groupes du CBGB reçoivent-ils tout l’amour ? l'attitude est rebutante. C'est sauvé (bien sûr) par le fait que c'est drôle et, ici et là, assez sournois (« l'engouement pour la danse / de toute façon » est une rime que la plupart des gens auraient peur d'écrire).

Peut-être un peu trop long, et oui, il s'agit du vide du monde des pop-stars – des « héros des centres commerciaux » – mais bon, écrivez ce que vous savez. Une suite de « Piano Man », une fois que le protagoniste est sorti du bar minable et a quelques albums à son actif.

Un peu gêné, un peu arty (cette intro sifflée). Après plusieurs réécoutes, je m'attendais à moitié à trouver ça ennuyeux, mais ce n'est pas le cas. A mieux vieilli que vous ne le pensez.

Moquez-vous si vous voulez, mais vous l'avez probablement entendu trop de fois. « Romancier immobilier » est une caractérisation formidable et vivante en trois mots. (Même si j'ai récemment eu une dispute avec quelqu'un qui affirmait que cette ligne était indésirable. Bien sûr, j'avais raison.)

Mal enregistré – la basse le submerge – et le montage en studio sonne faible et pâle, mais derrière tout cela, se cache une chanson pop bien travaillée. (Il détestait vraiment LA) Beaucoup mieux dans les enregistrements live ultérieurs, où le piano sonne plus proprement, les violons ont disparu et il chante mieux.

Seul le « crise cardiaque-ack-ack-ack-ack-ack » loufoque et maladroit maintient celui-ci en dehors du top dix. Anthony, Mama Leone et le sergent O'Leary sont des New-Yorkais d'un certain âge, des gens que nous connaissons bien, et c'est un beau feuilleton radiophonique de trois minutes et demie sur eux.

La (précédente) coda de sa carrière d'auteur-compositeur-interprète. Un gars mûr, qui suit les normes – sauf que c'est une norme qu'il a écrite lui-même. Plus de puce sur son épaule, sûr de son talent, hors Tony Bennett–ing Tony Bennett. Un gardien.

C'est une chanson vraiment douce à laquelle personne ne prête attention. C'est aussi sans doute le meilleur enregistrement vocal qu'il ait jamais réalisé : sa voix est vraiment souple, à mi-chemin entre ses premières croches et son baryton ultérieur. Ça tient le coup, et tu devrais aller l'écouter à nouveau.

La chanson la plus rétro d'un album rétro et un autre hommage affectueux au doo-wop qu'il a entendu quand il était enfant. Pas profond, mais une pièce supérieure de savoir-faire pop. Ce n’est pas la chanson la plus ambitieuse ; une structure simple, des paroles simples, et il n'y a rien de mal à cela.

Comment tout le monde a-t-il pu rater ça ? C'est un pastiche d'Elvis Costello incroyablement précis (et complètement inattendu), auquel il ne manque que la partie d'orgue. Un grand phase suivante – Chanson pop New Wave, qui mérite de sortir du coffre.

Une jolie chanson, une longue métaphore de se retrouver à la croisée des chemins dans la vie, avec une belle cadence et un peu de fantaisie retenue. Exceptionnellement oblique. En tant que musicien, je sais que je l'ai bien dit l'autre jour : « C'est ce que j'attends de lui, avec quelques problèmes avec Billy. » Cole Porter aurait hoché la tête et souri à une phrase comme « Vous pouvez obtenir ce que vous voulez ou vous pouvez simplement vieillir. »

La ballade la plus directe, je vous l'accorde, mais c'est "Yesterday" de Billy Joel, et "clevah conversation" le rend bien sien, parce que Long Island.

Cette date semblait lointaine, en 1976, n'est-ce pas ? New York, pensait tout le monde, était en train de mourir ; incroyable de penser qu’une chanson puisse être écrite du point de vue d’un retraité en Floride, se souvenant de l’effondrement de la ville. Il s’est donc trompé sur l’avenir, mais quelque chose concernant la dureté des New-Yorkais s’applique toujours. Et attendez deux ans pour la performance live ultime de celui-ci, probablement au Sun Life Stadium.

Difficile de considérer une rock star comme innocente, mais il l'était vraiment – ​​n'oubliez pas qu'il s'est fait escroquer à plusieurs reprises des millions de dollars par ses managers et ses gestionnaires. Une autre belle performance vocale, sur un album sous-estimé qui contient plusieurs de ses meilleures chansons.

La meilleure chanson de Billy Joel qui n'a jamais été un succès. Il la joue encore de temps en temps en concert et est connu pour la présenter comme « une sorte de chanson obscure » ; ça ne devrait pas être le cas. Puissance propre, image vive, chant souple, rythme serré, bien fait et à toute épreuve. L'effet sonore de déconnexion de la télévision au début est le seul morceau de maïs ici ; coupez ça et c'est parfait.

Chaque époque produit quelques standards sur la ville de New York, et celui-ci tient largement la route, entre Comden et Green d'un côté et Jay Z et Alicia Keys de l'autre. Sinatra aurait pu l'enregistrer ; Tony Bennett l'a fait ; beaucoup d’autres le feront. Impeccable.

Pas de cette irritabilité aigre ici ; c'est une chanson d'un guerrier heureux amoureux et romantique. Peut-être que les filles catholiques commencent beaucoup trop tard, peut-être pas, mais de toute façon, c'est vraiment drôle.

Sa chanson la plus longue – il s’agit en réalité de trois chansons entrelacées, une petite opérette de sept minutes – et, oui, sa meilleure. Dans un siècle, si vous voulez un regard ironique mais finalement affectueux sur la vie de la classe moyenne de Long Island vers 1976, vous pourriez faire bien pire que Brenda (désolé, Brender ) et Eddie, leurs peintures de Sears et du Parkway Diner.